Aussie

Esta tímida escocesa, pelirroja, hija de un soldado que murió en la WWI y que destacó por unas magníficas actuaciones en películas de los años 50, murió el martes pasado de Parkinson con 86 años, en Inglaterra.

Empezó de bailarina y pasó al teatro, pero ya a los 20 añitos debutó ante las cámaras como secundaria en una adaptación de una obra de G.B. Shaw por el dúo de directores que la descubrió Powell y Pressburger. Con Narciso Negro, precisamente de estos directores, se convirtió en una estrella llamando la atención de Hollywood. Bajo contrato con la MGM se especializó en una serie de papeles de mujer virtuosa. Hasta que cortó de raiz esa imagen con el famoso revolcón en la playa con Lancaster en De Aquí A La Eternidad, en 1953 (la escena en el vídeo de abajo).

Luego volvió a sus papeles recatados con el exitazo del musical El Rey Y Yo, que aunque arrasó no consiguió ganar el Oscar (6 nominaciones en 12 años). De hecho en 1994 le dieron un Oscar honorífico a toda su carrera. Siguió haciendo películas, hasta que, de repente, en 1968, se apartó del celuloide explícitamente porque “los tiempos van por la violencia y el sexo y eso no es lo mío”. Tras algo de teatro y TV se retiró definitivamente a vivir en Suiza. Sólo regresó a su país para morir.

De increíble gracia y belleza, bordó los papeles de mujeres responsables y con valores, recataditas y virtuosas, relamidas y distantes (esa distancia tan inglesa con los demás personajes), dejándonos un puñado de películas realmente interesantes.

Excelentes: (por orden cronológico)

* Narciso Negro, Michael Powell + Emeric Pressburger (1946) - drama de la novela de Rumer Godden, esa monja católica (la madre superiora Clodagh) dura de pelar a cargo de una escuela y hospital en el Himalaya luchando contra los elementos, los parroquianos, especialmente el funcionario rudo (David Farrar) y sus propios demonios interiores, supuso su salto al estrellato.

* Las Minas Del Rey Salomón, Andrew Marton + Compton Bennett (1950) -espectaculares aventuras clásicas bien narradas, de la novela de H. Rider Haggard: Quatermain (Stewart Granger) ayuda a la terca Beth (nuestra heroína) a encontrar a su marido perdido en África y se enamoran.

* Quo Vadis? , Mervyn Le Roy (+ Anthony Mann) (1951) - el drama histórico de la novela de Sienkiewicz, ella es la virtuosa y cristiana Ligia, a los leones, en los tiempos de Nerón, de la que está enamorada el guerrero Marcus Vinicius (Robert Taylor).

* Julio César, Joseph L. Mankiewicz (1953) - drama histórico basado en la obra de Shakespeare, ella es Portia, la noble mujer del conspirador Brutus (James Mason), asesino de César que se suicida para no ser capturado por Antonio.

* De Aquí A La Eternidad, Fred Zinnemann (1953) - novela de James Jones, en la que la adúltera Karen Holmes (papel rechazado por Joan Crawford) se lo hace con un subordinado (Burt Lancaster) de su marido (con la famosa escena que fue un bombazo probablemente por los recatados papeles anteriores de la Kerr). Ambiente militar en Hawai con un boxeador Monty Clift y Frank Sinatra.

* El Rey Y Yo, Walter Lang (1956) - el musical de Rodgers + Hammerstein, vuelve a su imagen recatada en un papel rechazado por Maureen O´Hara, la de la remilgada y sensata Anna Leonowens, tutora de los numerosos hijos del rey de Siam. Increíble éxito, consiguió el Oscar para Yul Bryner, pero ella lo perdió ante Ingrid Bergman (Anastasia).

* Té Y Simpatía, Vincente Minnelli (1956) - la versión fílmica del exitazo que ella misma consiguió sobre las tablas en Broadway, sobre la obra de teatro de Robert Anderson, ella como Laura Reynolds, la mujer del director del colegio, la única que entiende el sufrimiento del chico homosexual.

* Tú Y Yo, Leo McCarey (1957) - como Terry McKay, la animada e ingeniosa mujer que tiene el affair del título con Cary Grant y la cita a 6 meses en lo alto del Empire State.

* Sólo Dios Lo Sabe, John Huston (1957) - de monja otra vez (la hermana Ángela), naufragando con un duro marine (Robert Mitchum), gran amigo suyo en adelante, en una isla del pacífico en los días de la WWII y el roce…

* Buenos Días, Tristeza, Otto Preminger (195 - la novela de Françoise Sagan, como rival de la malcriada hija (Jean Seberg) de su viejo amor, un rico y superborde playboy (David Niven).

* Suspense, Jack Clayton (1961) - como la inexperta institutriz Miss Giddens que es incapaz de asumir sus responsabilidades, según la novela de Henry James. Una de las mejores pelis de la historia de terror psicológico (tan en boga por estos lares últimamente) y en maravilloso blanco y negro.

* La Noche De La Iguana, John Huston (1964) - como Hannah Jelkes, la itinerante artista de variedades que estabiliza al expulsado sacerdote, ahora guía turístico (Richard Burton) y el autobús cargado de solteronas por México, según la obra de teatro de Tennessee Williams.

* El Compromiso, Elia Kazan (196 - basada en la propia novela del director, en la que hace de la conspiradora mujer del rico Kirk Douglas para hacerse con su fortuna, y en la que él se replantea su falsa vida, un compromiso entre mujer y amantes, tras un intento de suicidio. Prácticamente la última película de la Kerr.

Muy Buenas:

* 1943, Vida Y Muerte Del Coronel Blimp, Powell y Pressburger - 3 papeles de mujer ideal del encantador caballero del título.

* 1949, Edward, Mi Hijo, George Cukor - la obra de teatro de Morley y Langley, con Spencer Tracy [P-10JUN] y esa sufridora Evelyn Boult.

*1952, El Prisionero De Zenda, Richard Thorpe - repite con S. Granger (Las Minas…), aventuras de suplantación en Ruritania y el Castillo de Zenda.

* 1955, Vivir Un Gran Amor, Edward Dmytryck - la novela de Graham Greene (este sí merece el Nobel, y no la muy pobre Lessing), cuento existencialista romántico entre ella (Sarah Miles) y Van Johnson, en un Londres asolado por la guerra.

* 1958, Mesas Separadas, Delbert Mann - de la obra de teatro de Terence Rattigan, ella como la secretamente enamorada Sibyl Railton-Bell. Las historias de gente diferente en la misma mesa de un hotel, fuera de temporada.

* 1959, Rojo Atardecer, Anatole Litvak - con el fondo de la invasión soviética de Hungría en 1956, el mayor Surov (Yul Bryner) se enamora de ella, una occidental intentando huir del país.

* 1959, Días Sin Vida, Henry King - ella como la famosa columnista del corazón en los últimos días del alcohólico escritor F. Scott Fitzgerald (Gregory Peck).

* 1960, Página En Blanco, Stanley Donen - de la obra de teatro de los Williams, The Grass Is Greener, comedia de triángulo amoroso con castillo, entre ella, Cary Grant y Robert Mitchum. Otra vez, de adúltera.

* 1960, Tres Vidas Errantes, Fred Zinnemann - el outback australiana según la novela de Jon Cleary, ella como Ida Carmody, la matriarca de una familia conductora de ovejas que quiere comprar una granja y vivir una vida menos nómada.

* 1964, Mujer Sin Pasado, Ronald Neame- según la obra de teatro de Enid Bagnold,  otra vez como institutriz, esta vez de una joven rebelde americana (Hayley Mills).

* 1969, Los Temerarios Del Aire, John Frankenheimer - el romance entre piruetas acrobáticas aéreas, entre una mujer casada infeliz y uno de los ases (Gypsy Moths), Burt Lancaster, según la novela de James Drought.

Y otras buenas con Gabriel Pascal (Mayor Bárbara), Alexander Korda (Separación Peligrosa), Frank Launder (I See A Dark Stranger), Jack Conway (Mercaderes De Ilusiones), Victor Saville (If Winter Comes), Charles Vidor (Tempestad En Oriente), George Sidney (La Reina Vírgen), Sidney Sheldon (La Mujer Soñada),   George Seaton (Los Héroes También Lloran), Jean Negulesco (Tu Marido… Ese Desconocido), Michael Anderson (Sombras De Sospecha), Jack Donohue (Divorcio A La Americana) y J. Lee Thompson (El Ojo Del Diablo). Y trabajado con actores como Rex Harrison, Clifford Evans, Robert Donat, Trevor Howard, Clark Gable, Sydney Greenstreet, Walter Pidgeon, Alan Ladd, Charles Boyer, Charles Laughton, William Holden, Maurice Chevalier, Gary Cooper y Donald Pleasance.

Pequeña actriz (1,59 cm.) de larga carrera cinematográfica (más de 70 películas, en 60 años), se casó (”I never have the talent for it” [marriage] y divorció) 5 veces, entre ellos con el futuro presidente Ronald Reagan,en los años 40, que fue el único con el que tuvo hijos: 3, Christina, que murió nada más nacer; Maureen, escritora con inquietudes políticas muerta de cáncer en 2001 y el locutor de radio Michael, adoptado. Superamigota total de Loretta Young acabó refugiada en la TV en sus años provectos, destacando su papel de villana en la serie Falcon Crest durante 9 temporadas (años 80) como la matriarca confabuladora Angela Channing, el centro moral sobre el que giraba la serie (recuerdo de David Selby), pero ya había probado el éxito en TV mucho antes (finales de los 50) con su propia serie (presentadora, actriz y productora) en la NBC: la muy interesante serie dramática “Jane Wyman Presents The Fireside Theater”. De las pocas estrellas que se puso más años de los que tenía (supuestamente porque era demasiado jovencita cuando se presentó en Hollywood), mantiene el récord del beso más largo en el cine junto a Regis Toomey en You´re In The Army Now (3 minutos 5 segundos). En pleno rodaje de The Blue Veil se convirtió al catolicismo. Y apariciones como estrella invitada en series de TV de nuestra infancia como Vacaciones En El Mar y Los Ángeles De Charlie. Ah y esos pómulos.

Excelentes: (por orden cronológico):

* Días Sin Huella, Billy Wilder (1945) - uno de los mejores retratos psicológicos sobre el alcoholismo, junto con Días De Vino Y Rosas (Edwards, 1962), y ella como la sufridora esposa del escritor fracasado Ray Milland, según un guión de Charles Brackett y el director.

* El Despertar, Clarence Brown (1946) - melodrama familiar con Gregory Peck y la gacelita.

* Belinda, Jean Negulesco (194 - sordomuda violada en pequeña población pesquera (su único Oscar), según la obra de teatro de Elmer Harris, con notas de Max Steiner.

* Pánico En La Escena, Alfred Hitchcock (1950) - intriga con flash desorientador, la escena de la Dietrich cantando La Vie En Rose y perdiendo los nervios y su maravilloso final.

*Obsesión, Douglas Sirk (1954) - elegante melodrama, eficacia narrativa y soberbia dirección de actores, la solidaridad como dependencia afectiva y el “siempte bailo con los ojos cerrados”.

* Sólo El Cielo Lo Sabe, Douglas Sirk (1955) - repite con Rock Hudson en este melodrama amoroso (viuda + jardinero), crítica de las convenciones burguesas y el qué dirán.

Muy Buenas:

* 1946, Noche Y Día, Michael Curtiz - biopic de Cole Porter (Cary Grant) y música de Max Steiner.

* 1947, Ciudad Mágica, William A. Wellman - comedia con guión de Robert Riskin, con James Stewart y el pequeño pueblo de Grandview.

* 1950, El Zoo De Cristal, Irving Rapper - la primera versión cinematográfica de la obra de Tennessee Willimas, con Kirk Douglas.

* 1951, Mis Tres Novios, Charles Walters - comedia romántica típica de la época, azafata en DC-3 se enamora de 3 tíos que se llaman igual, Mike.

* 1951, Aquí Viene El Novio, Frank Capra - comedia musical con Bing Crosby y el dueto de la canción ganadora del Oscar, In The Cool Cool Cool Of The Evening.

* 1951, The Blue Veil, Curtis Bernhardt - drama de enfermera y los hijos auténticos y con Charles Laughton.

* 1952, The Story Of Will Rogers, Michael Curtiz - biopic del hombre del título, protagonizado por su hijo.

* 1956, Miracle In The Rain, Rudolph Maté - drama romántico bajo la lluvia con guión de Ben Hecht sobre su propia novela.

Y otras buenas con Richard Thorpe (El Gong De La Victoria), William Keighley (El Hermano Rata), Roy Del Ruth (Tail Spin), Bernhardt (My Love Came Back), Lloyd Bacon (Honeymoon For Three, Larceny Inc.), Lewis Seiler (You´re In The Army Now),  Tay Garnett (My Favorite Spy), Raoul Walsh (Cheyenne), Delmer Daves (A Kiss In The Dark), Curtiz (The Lady Takes A Sailor), Elliott Nugent (Sólo Para Tí), Robert Wise (So Big), Robert Parrish (Orgullo Contra Orgullo), John Ford (para TV: The Bamboo Cross) y David Swift (Pollyanna). Y trabajado con actores como Henry Fonda, Dick Powell, Robert Taylor, Pat O´Brien, Eddie Albert, Ronald Reagan, George Brent, Ralph Bellamy, Edward G. Robinson, Victor Mature, David Niven, Sterling Hayden, Charlton Heston, Jack Carson, Fred MacMurray y Bob Hope.

La inmensa actriz madrileña Manuela Ruiz Penella, hermana de las también actrices Terele Pávez y Elisa Montes y tía de Emma Ozores falleció el pasado 27 de agosto, a los 77 años, a consecuencia de una septicemia (etimológicamente del griego, “corrupción de la sangre”), derivada de la diabetes que padecía desde hacía muchos años.

A los 18 años fue doble de luces de Amparo Rivelles en “La duquesa de Benamejí” (Lucia, 1949), trabajo que compaginó con papeles en teatro y con intervenciones menores en el cine, hasta que José Luis Sáenz de Heredia le ofreció su primera gran oportunidad en la película “Los ojos dejan huellas” (1952), por la que obtuvo su primer premio de interpretación.

Fue más tarde Juan Antonio Bardem quien aceptó su voz afónica y superpersonal para un personaje importante de “Cómicos” (1954), al que siguieron otras películas de interés como “Los peces rojos” (Nieves Conde, 1955) y sobre todo “Fedra” (Mur Oti, 1956), que provocó un escándalo público a causa de la generosa exhibición de sus hermosas piernas y sus posturas provocadoras. (”Era tan provocadora que podía hasta velar el negativo”, decía de ella el director de la película Manuel Mur Oti).

Durante su extensa carrera nos dejó algunos papeles inolvidables, como aquella Carmen, hija de José Isbert en “El Verdugo” (Luis García Berlanga, 1963) o interpretando por primera vez en el cine a “La Regenta“, a las ordenes de Gonzalo Suárez en 1974.

Después de un largo silencio tras la muerte de su marido, el productor Emiliano Piedra, volvió para dejarnos una de sus interpretaciones más memorables, bajo la dirección de Eloy de la Iglesia, en “La estanquera de Vallecas” (1987), que le proporcionó un éxito popular que le abrió los caminos abandonados del teatro y, para ella, los poco trillados de la televisión, que me temo será de donde la conocerán exclusivamente las nuevas generaciones.

Y recordar su particioación en los irrepetibles “Estudio 1″, en concreto, en las obras de Shelagh Delaney Sabor A Miel y Lauro Olmo La Pechuga De La Sardina.

Excelentes: (por orden cronológico):

* Cómicos, Juan Antonio Bardem, 1954 - drama sobre las modestas compañías teatrales itinerantes por la España de los 40-50 y la dignidad y la esperanza.

* El Verdugo, Luis García Berlanga, 1963- maravilloso guión de Rafael Azcona, humor negro para una de las denuncias más ácidas de la pena de muerte.

Muy Buenas:

* 1955, Los Peces Rojos, José Antonio Nieves Conde - interesante drama criminal.

* 1956, Fedra, Manuel Mur Oti - según la obra de teatro de Séneca.

* 1967, La Busca, Angelino Fons - agudo análisis y crítica social según la novela de Baroja.

* 1986, El Amor Brujo, Carlos Saura - según Manuel de Falla, cierra la trilogía de Saura sobre el flamenco, el fantasma de José y el amor, la pasión, la traición y la muerte y su simbolismo.

Y otras buenas con Sáenz de Heredia (Los Ojos Dejan Huella), Ladislao Vajda (Aventuras Del Barbero De Sevilla), Mur Oti (El Batallón De Las Sombras), Lucia (Un Marido De Ida  Vuelta), José María Forqué (De Espaldas A La Puerta), Juan de Orduña (El Amor De Los Amores), Fons (Fortunata Y Jacinta, La Primera Entrega), Suárez (La Regenta), Francisco Regueiro (Nuestro Padre) y De La Iglesia (La Estanquera De Vallecas). Y trabajado con Julio Peña, Raf Vallone, Manolo Morán, Jacques Perrin, Pepe Isbert, Rossano Brazzi, Michel Auclair, José Suárez, Rafael Durán, Alfredo Mayo, José María Caffarel, José Luis López Vázquez, Adolfo Marsillach, Fernando Fernán Gómez, Rafael Álvarez El Brujo y Paco Rabal.

100 frasecitas famosas de la historia del cine, montaje en una ceremonia de entrega de los Oscars por el American Film Institute.

montaje 100 películas, con frases con 100 numeros del 100 al 1.

la farmaceútica borde, [¡Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto?, Pedro Almodóvar, 1984].

(pincha aquí) la frase improvisada, al final no cortada [Shark Attack 3: Megalodon, David Worth, 2002]. Por si no lo pillais, el tío le dice a la chica: “I´m a little wired (nervioso)… What do you say… I take you home and eat your pussy (te como el potorro)?

la famosa escena de la cola del cine con Marshall McLuhan [Annie Hall, Woody Allen, 1977]

y, la escena del trato de drogas que sale mal, no, no es la de El Precio Del Poder [Boogie Nights, Paul Thomas Anderson, 1997]

It mingles brutality (crueldad humana) with subtlety (amabilidad). El cine alemán del siglo XXI, eso sí, a cuentagotas (Goodbye, Lenin, W. Becker, 2003; El Hundimiento, Hirschbiegel, 2004; La Vida De Los Otros, Henckel von Donnersmarck, 2006 [P-8MAR]), es el que mantiene actualmente la bandera del cine bergmaniano y el primer cine de Von Trier. Siguiendo la estela de esas películas que podríamos llamar life cheated me (y el difícil arte de con-vivir con los demás y los estragos de lo extraño frente a la endeble consistencia de lo establecido), especialmente en la carne y alma de mujeres en el filo de la navaja de los sentimientos, la explosión del dolor y la rabia apenas contenida y su coraza defensiva a través de su carácter amargo y violento (que exigen una increíble inversión de capital emocional por parte del espectador) de peliculones simplemente apabullantes (sí, de esos que te cuesta desincrustarse de la butaca una vez acabado el genérico) como Rompiendo Las Olas o La Pianista o todo el teatro austríaco del siglo XX, retratos crudos y descarnados como la vida misma, nos llega esta pequeña joyita con gran honestidad de planteamiento, sin aleccionamientos moralistas y respeto a los espectadores.

Escrita y dirigida (esta es su 2ª película y que le ha costado sacar adelante 8 años), Chris Kraus, antiguo periodista e ilustrador es ahora un afamado guionista que enseña dramaturgia en varias academias de cine de Berlín. La película dura casi 2 horas en una prisión, con flashbacks explicativos (del pasado de Frau Krüger y sus traiciones bajo el III Reich; el pasado de la joven se revela más bien en los diálogos, violada por el padrasto, muerte del bebé). Técnicamente impecable: luz y contrastes cuidados, con la fotografía bella en su crudeza (como sórdida y sucia, como cuando le atan y queman las manos, ya de por sí eternamente machacadas) e intemporal en su marco espacio-temporal, estupenda banda sonora y que repercute con su frialdad y rudeza en el alma del espectador y un buen trabado ritmo que pendulea entre lo frenético (por ejemplo, el intento de suicidio en el hospital si no es por la cristalera) y lo pausado (la reflexión inmediata posterior en que le niegan la cesárea para no prolongar su estancia fuera de la cárcel), como remedo de los sentimientos interiores de los personajes.

Su maravilloso final merece un párrafo aparte. Furioso, vertiginoso e impresionante, sonoro, visual y emocionalmente (y musical: la final del concurso de jóvenes intérpretes) que a pesar del ambiente depresivo del metraje sales con una sensación de libertad increíble, final poderoso, bello, atípico y poético. Esa última actuación inesperada de 4 minutos (que da título al film, igual que sus 4 alumnos del principio) es todavía más increíble cuando resulta que la Herzsprung (Jenny; actriz antes desconocida) no sabía tocar el piano antes de la peli, al punto que tuvo que mentir en el casting para hacerse con el papel y teniendo que memorizar luego todos los movimientos en pleno rodaje. Y la reverencia final en la que se congela la imagen, dedicada a Gertrud Krüger (la de ficción dándose a la bebida -al final la genialidad sale por donde quiere, no se puede evitar- mientras la policía entra por los vomitorios).

Y otro, naturalmente a sus 2 protagonistas que son las que pespuntean con su interacción las duras experiencias vitales (nulo afecto) y la tensión malsana que rezuma la historia: la alumna Jenny, autodestructiva, agresiva (el ataque con la silla al guardia que al final prefiere la inteligencia al uso de la fuerza, a pesar de apuntarla con la pistola), trastornada (su salvaje y peligrosa energía), dura (ese detalle de guión de robarle los cigarrillos a la compañera de celda colgada, en el arranque de la película) y desesperanzada presa (y el correlato de música áspera, a veces y a próposito, para resaltar la naturaleza de la joven, mal tocada y con mala acústica), la chica rebelde y conflictiva con excelentes cualidades técnicas y la vieja profesora de piano, Frau Krüger (la Bleibtreu, actriz con larga carrera teatral en la Alemania del Este), que no se muerde la lengua, también con pasado turbio (correlato de música rígida), que deja todo por la música, obligadas ambas a aprender una de la otra (conociéndose y respetándose) para cooperar y trabajar en equipo en la represión que sufren ambas.

“Puedo ayudarte a convertirte en una mejor pianista, pero no en una mejor persona. Piénsatelo”. Los embrutecedores efectos del autoritarismo y el profundo pozo de la depravación humana en toda su crudeza para rescatar in extremis a sus personajes (hay esperanza (sea en el amor a la música, a otra mujer) en cuyos propios interiores coexisten los 2 extremos del principio del post (la brutalidad y la ternura). Película más compleja de lo que parece y que necesita más de una visión y en pantalla gigante, por supuesto. Página web oficial.

Trailer con el maravilloso Impromptu Opus 142 No. 2, de Schubert sonando de fondo.

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Por cierto otros 4 minutos, muy diferentes. Este es el famoso corto del que vais a oir mucho en los días venideros. Se llama “Subir Y Bajar” y es de David Planell. Y va del maltrato a las mujeres, la violencia de sexo: no ves ni sangre ni golpes pero si escuchas entenderás muy bien. Un ejemplo perfecto de por qué ese tipo de maltrato tiene tanto poder, usando esa explotación fina de la tortura psicológica que se conoce como emotional kidnapping (and psychological rape).

Las pelis en 3-D [P-18ABR], largamente ridiculizadas como reclamo sentimentaloide,  están siendo promocionadas desde todos los lados de la industria como los únicos salvadores de los cines, acosados por los sistemas de home theatre. Peter Symes, un técnico internacional de cine, hablando en una reunión reciente del SMPTE (Sociedad de Técnicos de Películas y TV) dijo que los avances que están teniendo lugar a marchas forzadas en la producción digital y los sistemas de proyección son suficientes para que todas las películas a partir de ya, se pasen a formato 3-D. “El coste de las cámaras y pantallas especiales será prohibitivo para las casas particulares y conducirá a los espectadores otra vez a los cines”.

Cuando se lanzó el cine en 3-D a principios de los años 50 (”creo que la mayoría de las cuestiones que eran un problema en los 50 se han resuelto”) y, sobre todo, cuando se intentó reactivar el formato en los 80 (Tiburón 3, Viernes 13 III), ver una peli en 3-D era una experiencia curiosa, pero extremadamente desasosegante: te ponías unas gafas azules y rojas de cartón y a los 10 minutos comenzabas a marearte sin remedio. 2 proyectores superponían las imágenes entre sí y, cada una iba dirigida a un ojo, creando esa sensación de volumen, pero provocando al mismo tiempo dolor de cabeza.

Pero de lo que se trata hoy es de zambullirse en la película gracias a la llamada proyección polarizada, que alterna imágenes en 2 sentidos, a 144 fotogramas por segundo (el cine se proyecta a 24). Unas gafas polarizadas de diseño negro (que según Jeffrey Katzenberg [P-18ABR], en pocos años todo espectador llevará en el bolso), permiten experimentar la profundidad y realismo de la 3 dimensiones, sin los efectos secundarios de antaño. Eso hace suponer que el 3-D es, potencialmente, el formato del próximo futuro.

La proliferación de las imágenes tridimensionales cambiará desde el cine porno, en el que hay un claro negocio a la vista, hasta la vida virtual online, pasando por los videojuegos o incluso la experiencia única de un concierto. En otoño se estrenará U2 3D, un conciero en 3-D de la banda irlandesa que servirá para probar un campo cuyo horizonte no parece tener fin. En cine, la nueva peli de James Cameron, Avatar, con fecha de estreno en 2009, es la superproducción hacia la que se mira como puerta de entrada a una nueva era. “La pantalla ha sido siempre una barrera emocional para la audiencia, pero el 3-D de calidad consigue que la pantalla desaparezca y que te asomes a una ventana que mira hacia el mundo”.

Dreamworks ya ha anunciado que a partir de 2009 sólo rodará en ese formato y Peter Jackson y Steven Spielberg anunciaron recientemente una trilogía en 3-D dedicada al héroe de tebeo Tintín. Filmar con tecnología digital abarata costes, puesto que las copias digitales comparadas con las de celuloide no cuestan nada y, además, prácticamente acaban con la figura del distribuidor, aunque el 3-D los aumenta entre un 5 y un 10%, pero en los experimentos hasta la fecha (Polar Express, Chicken Little), se vió que a la peña no le importaba pagar unos cuantos dólares extras más por la experiencia tridimensional, de hecho, era su opción favorita, en los casos en que existía la posibilidad, pese a mostrarse en menos salas. Hay que recordar, también, que la tecnología permite convertir las actuales pelis en 2 dimensiones a 3-D.

Actualmente, sólo existen 2.700 pantallas en USA que cuenten con tecnología de exhibición digital y apenas un millar de ellas tienen además proyectores de 3-D (sistema Real-D, el actor principal de la industria 3-D), que cuestan otros 25.000 dólares, a añadir a los 100.000 del paso al sistema digital.

Considero que Cenicienta, Pinocho o Fantasía, aunque dirigidas a un público infantil, son auténticas obras maestras. Y el último que se está acercando seriamente a estos niveles en este género es Brad Bird.

La primera película de animación de la Pixar -y la primera de dibujos animados por ordenador mainstream- Toy Story. Juguetes, en 1995, demostró lo buena que podía ser la animación digital en las pantallas de cine. El último producto del estudio, Ratatouille, la historia de Remy, una rata parisina que sueña con ser el chef más grande, se estrena hoy en España.

Después de la 2ª película de Pixar en 1998 Bichos, Una Aventura En Miniatura, cada uno de sus 3 siguientes films superó la recaudación del anterior en las taquillas. El logo del estudio (un plexo realista extensible en la “i”) parecía una garantía clara tanto de éxito comercial como crítico. Buscando A Nemo, en 2003, batió todos los récords de recaudación de la historia de una película de dibujos animados. Incluso el MOMA de Nueva York organizó una exhibición en conmemoración del 10º aniversario de la creación del estudio. Pixar había suplantado a Disney como la mina de oro de los dibujos animados de Hollywood. Incluso hasta la Disney, que distribuía las pelis de Pixar, lo pensaba. Así, el año pasado 2006, compró Pixar por 7,4 billones $. Pixar se había convertido en el ejemplo máximo de las sinergias de Hollywood: el estudio como estrella. Pero en los últimos tiempos, la bombilla de la lámpara del estudio se ha debilitado un tanto.. Nemo sostuvo su récord de taquilla sólo 1 año, hasta que llegó Shrek 2, de la SKG.

Desde entonces, los productos de Pixar han perdido su cachet sonónima casi a la cultura popular. Al menos bastante parte de esa distinción ha ido a parar a Dreamworks Animation, con su franquicia Shrek. Los Increíbles (2004), maravillosa película de Bird, recaudó 261 millones $, menos que Buscando A Nemo (339 millones). Cars (2006), hizo 244 millones $, menos que Los Increíbles. Incluso Cars cosechó las peores críticas de los especialistas para una película de la Pixar, desde Bichos. Y las ganancias de Disney confirmaban las pérdidas de Pixar: el fundador y cabeza creativa de Pixar, John Lasseter ahora, tambien, es el responsable de la Disney. El efecto puede ayudar pero también ser un obstáculo. Parece que esta peli, Ratatouille va a arrasar: su director es Brad Bird, el responsable de Los Increíbles, el mayor logro artístico de la Pixar hasta la fecha, es también el autor de una maravilla a reivindicar, El Gigante De Hierro. Y no hay que olvidar que ya la Disney hace mucho tiempo demostró el gran atractivo de los roedores animados (ya sabes, Mickey Mouse).

Ah, y no os perdais el corto previo Abducidos, memorable, sobre un alien que abduce a un terrícola para que le ayude a aprobar el carné de conducir.

La rata francesa de campo, Remy, la prota dice “Algo pasa con los humanos. Ellos saborean… Descubren” (para indicar que tanto los humanos como las ratas comparten una cosa: que comen de todo). Pero el tiene su propia versión del dilema de un omnívoro: quiere encontrar un paladar sofisticado, pero para comer bien se da cuenta -rechazando la típica comida de la basura- que necesita aprender a cocinar. La peli comienza como una pequeña idea ingeniosa sobre una rata que se convierte en un entendido convirtiéndose en un cuento cómico apasionante sobre la implacabilidad (el deseo de la búsqueda de la máxima perfección) de un artista.

Arrastrado por un colector, Remy acaba en París y se presenta a un joven, Linguini, que ha heredado un famoso restaurante, pero que no sabe ni cascar un huevo. Subrepticiamente se mete bajo la gorra de Linguini tirando de los mechones de su pelo, controlando sus técnicas de corte y movimiento de salsas como un maestro marionetista. Hay una amenza por delante: la visita del aniquilador crítico gastronómico Anton Ego (voz de Peter O´Toole, en la versión original).

La peña de animación de Pixar no se conforma con retorcer los viejos cuentos de hadas o hacer bromas deslumbrantes de refritos como los de Dreamworks en la saga Shrek. Hacen de cada película una cosa nueva y algunas de sus producciones, especialmente esta y Los Increíbles, escritas y dirigidas por Brad Bird, alcanzan altas cotas de invención, rapidez e ingenio no vistas en la animación desde el trabajo del legendario animador Chuck Jones para la Warner en los años 40.

En Ratatouille el nivel de maestría artesanal momento a momento es una delicia. Dejar espacios despejados y coherentes puede parecer una cosa no elogiable para una peli de animación, pero una de las cosas maravilosas de esta película es lo bien que llegamos a entender la geografía espacial de la cocina donde se desarrolla gran parte de la peli. El punto de vista salta de lo alto de los armarios y da saltitos por entre los hornos y encimeras, pero siempre sabemos, prodigiosamente, donde estamos en relación al resto de la cocina y por qué importa dónde Remy va o deja de ir. Cuando pide la ayuda de familia y amigos en una crisis, los animalitos, que necesitan ser deinfectados, emergen de un lavavajillas en una nube de vapor y son asignados a sus puestos como encargados de cocina y subchefs mientras se retrepan por cucharones hasta los bordes de las soperas y envían los champiñones en cascada hasta un solomillo a la espera. Nuestro conocimiento de la cocina hace que los rapidísimos gags sean más divertidos. Bird ha convertido la repugnancia (a rat in the kitchen, como dice Bird en el vídeo de arriba) en una celebración de la eficiencia y, de tapadillo, ofrece la más detallada sabiduría popular de la cocina y la más ferviente celebración del chef como artista, ptobablemente desde El Festín De Babette (1987).

¡Chapeau para Bird! En una época en que mogollón de occidentalitos han malinterpretado el espíritu y los valores morales de la democracia, que odian ser superados por cualquiera, que la ciencia es tan despreciada como considerada peligrosa y donde la destreza se considera elitismo, este artista de la animación, uno de los grandes, trabajando en un medio familiar, ha hecho 2 películas brillantes que defienden inequívocamente la excelencia. Ratatouille sugiere que no todos los omnívoros son iguales, algunos son mejores que otros. No hay nada que hacer, sólo reconocerlo.

Murió ayer en Roma, cada vez somos menos [el mundo del cine acaba de perder en menos de 24 horas 2 de sus grandes pilares europeos], otro director europeo fundamental y de gran influencia. Maestro incomprendido de la modernidad, cineasta de la enajenación y el hastío existencial, la angustia y la alienación, las tomas largas y los diálogos escasos, tomas planas y falta de acción, el maestro de la incomunicación y los espacios vacíos y obsesivos. Otro cineasta para los few, entre el neorrealismo y el estructuralismo, demasiado para los palomiteros al uso.

Concentrado en imágenes individuales, recibió premios por su contribución excepcional al arte cinematográfico ["Todas mis opiniones sobre el tema (¿qué es dirigir?) están en mis películas"] y su ejemplar inteligencia, creatividad e integridad, en una carrera de medio siglo. Empezó haciendo cortos documentales, luego fue neorrealista atípico en los 50, en los 60 y primeros 70 transitó por su propio territorio (como un Fellini), consiguiendo la fama internacional gracias a su trilogía de la incomunicación y otras películas individualistas. Su ritmo lento, lleno de matices, la sutileza y el ambiente de sus pelis junto con su belleza y composición, simplemente trascienden la pantalla. Su estilo visual único llevó a Scorsese a considerarlo ”un poeta con cámara”.

Su marca de fábrica: la dificultad/imposibilidad de las relaciones personales, el marco de la acción en paisajes desvencijados y desérticos (el ambiente reflejando el mundo interior de los personajes) y, la mujer como eje central. Desde 1985, como consecuencia de un derrame cerebral, estaba prácticamente reirado con una parálisis parcial que le dejó sin habla (ironías del destino). Pero vamos con su legado, “sus opiniones” que decía arriba: (cronológicamente)

Excelentes:

1960 - La Aventura (L´Avventura): Un pequeño crucero veraniego entre las volcánicas islas sicilianas en el que se produce una desaparición, y luego cambia y sigue el rollete entre la Vitti y el Ferzetti. Cuidado estudio y exploración sobre la esterilidad emocional de la sociedad moderna. La particular Dolce Vita, la decadente vida de los ricos, de Antonioni. Su mejor película, 145 minutos con el rostro de Monica Vitti. Las relaciones humanas casi sin diálogos. Y el final simbolista de la influencia de la arquitectura y el paisaje en sus films: Claudia encuadrada con un volcán apagado y Sandro con un muro de cemento, la poesía que dice Scorsese.

1961 - La Noche (La Notte): Con el final antonioniano más atípico: lleno de simpatía y amor por los personajes de Mastroiani y la joven Jeanne Moreau, un matrimonio burgués en crisis. Magistral evocación metafórica de la decadencia ideológica y moral y la rutinaria tristeza del tedio y la incomunicación. Magnífico guión, puesta en escena y fotografía. Escasos diálogos pero llenos de fuerza. Hipnótica banda sonora y poema visual en torno a una soledad que trasciende la pantalla, para vivirla en primera persona. Disección de la anatomía del día en que muere el amor.

1962 - El Eclipse (L´Eclisse): Finaliza la trilogía de la incomunicación y soledad. El escenario es más real que los personajes, para demostrar su fragilidad y la fugacidad de sus sentimientos (una Vitti y un Delon en la cumbre de su apostura juvenil): el fantasmagórico edificio en construcción y la astilla de madera. Los desolados espacios como testigos silenciosos del drama del devenir humano. Y la impronta de sus imágenes hipnóticas: sus miradas ambiguas tras cruzar el paso de peatones, las cortinas de cáñamo cubriendo el silencioso edificio o la astilla de madera tocada por una mano ilusionada, ahora flotando en el agua a la deriva inexorablemente hacia una alcantarilla.

1964 - El Desierto Rojo (Il Deserto Rosso): El relato se mueve sólo en el interior de los personajes. Las secuelas psicológicas del accidente de una turbadora Vitti, sin argumento ni acción. Planos agobiantes de la sociedad posindustrial (las constantes chimeneas): fea, inhumana, con desamparo y extremadamente cruel. La precisión casi obsesiva del color, de tonos fríos y secos, en el proceso interior de la alienación de la protagonista. Poema de la desolación. La escena de la cabaña siempre me ha parecido el colmo de la perturbación de la sensualidad en un mundo donde las casas están podridas, los cielos son grises, las calles están deshabitadas y el agua y el aire muertos, envueltos en un permanente ruido que imposibilita la comunicación.

1966 - BlowUp (Deseo De Una Manaña De Verano) (Blow-Up): Rodada en inglés, en el swinging London, pop y psicodélico de los 60. Basada en un cuento de Cortázar, un fotográfo de moda que entre las fotos que saca en un parque descubre un cadáver. Reflexión sobre la realidad fragmentada. Planos largos con metáforas escondidas e interpretables con diferentes lecturas. Una interrogación sobre la verdadera naturaleza del mundo, el nihilismo y la desarticulación del hombre contemporáneo. Paralelismo entre la reconstrucción del crimen y el cine.

Muy Buenas:

1955 - Las Amigas (Le Amiche) - historia de Cesare Pavese, drama psicológico entre 5 mujeres y la escena de la playa.

1957 - El Grito (Il Grido) - demoledoramente triste, la marginalidad inquietante de las relaciones de un hombre con varias mujeres en un desolador paisaje deshumanizador.

1975 - El Reportero (Professione: Reporter/The Passenger) - estudio existencial con suplantación de personalidad por parte de Jack Nicholson y excelente plano-secuencia final.

1982 - Identificación De Una Mujer (Identificazione Di Una Donna) - director en crisis creativa y de pareja y la escena de la niebla.

Buenas:

1950 - Crónica De Un Amor (Cronaca Di Un Amore) (su ópera prima, sobrio análisis de la alta burguesía)

1953 - La Señora Sin Camelias (Signora Senza Camelie) (y la caprichosa naturaleza de la celebridad, según una obra de teatro de Jean Cocteau)

1970 - Zabriskie Point (desesperada, transgresora, militante y lúcida visión de lo que se movía entre la juventud del flower power USA)

1981 - El Misterio De Oberwald (Il Mistero Di Oberwald) (drama histórico, según una obra de teatro de Cocteau, con un soberbio uso del color y de los fundidos)

1995 - Más Allá De Las Nubes (Al Di Lá Delle Nuvole) (codirigida con Wim Wenders, pausada elegancia en 4 historias de amor y deseo, con una mirada laboriosamente limpia)

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